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Les œuvres de diptyque et de triptyque qui ont influencé l’art

diptyque et de triptyque

Qu’est-ce qu’un diptyque ou un triptyque ?

Un diptyque ou un tableau triptyque, du grec ptykhos qui signifie plier, est une œuvre d’art composée de panneaux (respectivement 2 ou 3). Si les panneaux peuvent former une seule scène, il s’agit parfois de pièces autonomes liées par une cohérence visuelle.

Au Moyen Âge, le triptyque était utilisé pour raconter des histoires. Composés d’un grand panneau central et de deux plus petits peints à l’intérieur comme des portes pliantes, les 3 panneaux sont le reflet des trois individus de la Sainte Trinité chrétienne. Les panneaux étaient équipés de charnières pour permettre leur fermeture et protéger l’œuvre d’art.

Les artistes utilisaient le triptyque pour raconter une histoire à différents moments, pour démontrer la progression d’un sujet ou pour montrer plusieurs points de vue. Peint ou sculpté, le triptyque a été pendant de nombreux siècles le premier choix pour la représentation de la peinture religieuse.

Néanmoins, le diptyque et le triptyque se retrouvent souvent plus tard dans l’art classique et moderne.

Le diptyque de Wilton, 1395-1399

Commandé par le roi Richard II, Le Diptyque de Wilton, dont l’artiste est inconnu, est un petit diptyque composé de 2 panneaux à charnières peints sur les deux faces. De style gothique, il représente d’un côté un Richard II agenouillé. De l’autre, la Vierge Marie et l’enfant Jésus sont représentés entourés de 11 anges auxquels Richard II adresse une prière ou un cadeau. Lorsqu’il est fermé, le panneau de droite représente un cerf blanc, symbole de Richard II. À gauche, un bouclier est représenté, orné des armoiries adoptées par Richard II en 1395.

Selon une interprétation, dans cette pièce, Richard II place son royaume, l’Angleterre, sous la protection de Jésus et de la Vierge Marie, qui le bénissent en retour. Ce diptyque véhicule également un message politique et souligne le lien entre le terrestre et le spirituel. De nos jours, l’œuvre est la propriété de la National Gallery de Londres.

Piero della Francesca, Diptyque de Federico da Montefeltro et Battista Sforza, 1465-1466

Le tableau Diptyque de Federico da Montefeltro et Battista Sforza de Piero della Francesca représente les portraits du duc d’Urbino et de son épouse Battista Sforza. Ils se font face, et se tiennent devant leurs terres au loin. Habituellement, les peintures représentent le mari à gauche, mais ici c’est Battista qui est à gauche. Il s’agit sans aucun doute d’un hommage à son épouse mais peut-être aussi de dissimuler la défiguration de l’autre côté du duc. Ce dernier a en effet été peint de son vivant, cependant, la duchesse était déjà morte, ce qui peut expliquer la pâleur de son visage. Aujourd’hui, le musée des Offices de Florence, en Italie, abrite ce diptyque.

Jérôme Bosch, Le jardin des délices terrestres, 1494-1505

Le Jardin des délices terrestres est une peinture à l’huile en triptyque, peinte sur bois par le Néerlandais Jérôme Bosch. Fermé, le triptyque représente une sphère transparente bouillonnante de vie, symbole de la création du monde. À l’intérieur, le panneau de gauche représente Adam et Eve, dans un paradis terrestre, entourés d’animaux imaginaires. Le panneau central est un jardin insolite mais délicieux où les enfants d’Adam et Eve, l’humanité, s’adonnent aux plaisirs de la chair, à la luxure et au péché dans un décor surnaturel d’oiseaux et de fruits géants. Enfin, le panneau de droite montre les tourments de l’enfer. Cette œuvre apparaît comme une mise en garde contre le vice et le non-respect des principes de la religion. Elle est actuellement exposée au musée du Prado à Madrid.

Paul Gauguin, Le sculpteur Aubé et son fils, Emile, 1882

Bien que plus connu pour ses premières toiles retraçant sa vie en Polynésie, Paul Gauguin est également le créateur du tableau diptyque Le sculpteur Aubé et son fils, Emile. Contrairement à son travail habituel, les couleurs de ce diptyque ne sont pas vives et les sujets ne sont pas exotiques. À droite, Jean-Paul est en train de fabriquer un vase dans son atelier. Au lieu de ce qu’il fait, il regarde dans la direction opposée son fils, qui regarde des photos, dans une image à l’atmosphère totalement différente. Le père et le fils sont placés en opposition et ne semblent pas être à proximité l’un de l’autre. Pourtant, les deux toiles se fondent l’une dans l’autre. Le vase et le coin de la table sur laquelle le sculpteur travaille apparaissent même dans la scène représentant son fils. Gauguin se détache ici de l’impressionnisme et de l’obsession de l’imitation.

Mark Rothko, Chapel Rothko, 1964

En 1964, le couple de collectionneurs d’art John et Dominique de Ménil demande à Mark Rothko d’ériger un espace dédié à la méditation. Bien que nommée Chapelle Rothko, il s’agit en fait d’un bâtiment octogonal ouvert à toutes les confessions. Il n’y a pas de nom de saint ou de croix, seulement une immense salle d’art moderne décorée de 5 panneaux simples et de trois diptyques, œuvres de Rothko. Celles-ci sont destinées à évoquer les 14 stations bibliques du chemin de croix. Cependant, Mark Rothko est décédé un an avant l’inauguration de la chapelle.

Francis Bacon, Trois études de Lucien Freud, 1969

Au XXe siècle, Francis Bacon était considéré comme le peintre triptyque par excellence. L’un de ces triptyques est une peinture réalisée en 1969 sur son ami et rival juré, les 3 études de Lucien Freud. Au milieu des années 70, les trois panneaux ont été vendus séparément. Déçu que les panneaux aient été séparés, Bacon a écrit sur une photographie du panneau gauche qu’il “n’avait de sens que s’il était avec les deux autres panneaux”. Les panneaux sont passés entre les mains de différents collectionneurs jusqu’à la fin des années 80, lorsque l’un des premiers acheteurs les a réunis. L’œuvre a été vendue pour 142,4 millions de dollars aux enchères. Elle est devenue, en 2013 et pendant un certain temps après, l’œuvre la plus chère du marché.

Ai Wei Wei, Déposer une urne de la dynastie Han, 1995

Dropping a Han Dynasty Urn est un triptyque photographique réalisé par Ai Wei Wei. L’œuvre immortalise l’artiste alors qu’il laisse tomber sur le sol une urne cérémoniale vieille de 2 000 ans, qui explose en morceaux à ses pieds. Cette œuvre est significative car l’objet avait non seulement une valeur monétaire considérable mais aussi une valeur symbolique et culturelle. La dynastie Han est considérée comme une période déterminante dans l’histoire de la civilisation chinoise. Briser délibérément une forme emblématique de cette période équivaut à se débarrasser de tout un patrimoine culturel de la Chine. C’est aussi, pour Ai Wei Wei, se libérer de son passé, qui pouvait être une entrave à sa créativité et à son indépendance. Cette œuvre est le début de la réutilisation d’objets anciens par l’artiste et témoigne de son questionnement sur les valeurs culturelles et sociales.

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